Resgatar a música do cinema paulistano dos últimos 50 anos
Um concerto com recursos multimídia é o novo desafio da Banda Sinfônica do Estado.No dia 13 de outubro (quarta-feira), às 21h00 o palco do Teatro Sérgio Cardoso se transforma numa sala de cinema com música ao vivo executada pelos 80 músicos, regidos pela maestrina Érika Hindrikson. Assim como o espetáculo “Os Reis do Riso”, com os Parlapatões, essa nova experiência não tem nada de parecido com os concertos tradicionais de música clássica que a Banda toca.
Resgatar a música do cinema paulistano dos últimos 50 anos é o mote do espetáculo, cujo fio condutor é uma trilha sonora original, criada a partir de trilhas musicais do cinema paulista, da época da Companhia Vera Cruz até a atualidade. A composição a cargo de Achille Picchi, aproveitou arranjos encomendados à diversos músicos.
Junto à execução musical pela Banda, será exibido numa enorme tela, um vídeo criado especialmente para o evento, com imagens originais, depoimentos de artistas da história do cinema paulista, e trechos de 50 filmes, embalando o público numa viagem cinematográfica.
Desde que o Maestro Abel Rocha assumiu a direção artística da Banda, o grupo tem apresentado uma programação diversificada, juntando-se à diversas linguagens artísticas e experimentando sonoridades possíveis à formação de sopros e percussão. A parceria no primeiro semestre com os Parlapatões, abrindo o desafio de um espetáculo cênico para os músicos, mostrou ser um caminho interessante. Agora a Banda traz para nossa cidade toda a riqueza da trilha sonora que embalou os filmes passados na nossa capital e dessa forma homenageia São Paulo nos seus 450 anos.
Além do concerto, uma mostra no Museu da Imagem e do Som exibe, de 14 a 17 de outubro, quatro filmes cujas trilhas sonoras originais marcaram época e estão presentes no espetáculo multimídia: “O Grande Momento”, de Roberto Santos (80`, 1958), “A Hora da Estrela” (95´, 1985) de Suzana Amaral, “Um Céu de Estrelas” (75´, 1996), de Tata Amaral, e “Anjos da Noite” (110´, 1987), de Wilson Barros.
“O Grande Momento”, previsto para o dia 14 de outubro, às 16h30 foi dirigido por Roberto Santos (1928-1987), um dos cineastas pais importantes da cinematografia paulista. Roberto Santos realizou onze longas-metragens, dezenas de curtas, centenas de filmes publicitários e ainda séries e especiais para a TV. Identificado ao lado de Nelson Pereira dos Santos como um dos fundadores da cinematografia brasileira contemporânea ele estabeleceu como prioridade em sua vida trazer para o primeiro plano da tela o brasileiro comum, tendo seus filmes marcados pelo nacionalismo e fidelidade
às suas origens. Lançado em 1958, o filme tem produção de Nelson Pereira dos Santos, música de Alexandre Gnatali e no elenco conta com personalidades como Gianfrancesco Guarnieri, Miriam Pérsia, Paulo Goulart, Vera Gertel, Jayme Barcellos, Turíbio Ruiz e Norah Fontes. O longa, cuja temática e os personagens começam a expressar uma identidade nacional e lançam a semente do Cinema Novo passa no dia do casamento, de um jovem trabalhador que se vê às voltas com a falta de dinheiro para as despesas, mostrando as alegrias, sustos e esperanças do povo do Brás.
”A Hora da Estrela”, de Suzana Amaral será exibido no dia 15 de outubro, às 16h30. O filme, de 1985, recebeu mais de 23 prêmios nacionais e internacionais, incluindo o Urso de Prata para a atriz Marcélia Cartaxo e sua exibição em mais de 25 países. “A Hora da Estrela” também recebeu no Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, um total de 12 prêmios, incluindo melhor filme, direção, ator e atriz. Baseado no romance de Clarice Lispector, sobre uma jovem imigrante nordestina feia e orfã que vem tentar a vida em São Paulo. Macabéa trabalha como datilógrafa e mora em uma pensão barata. O filme mostra a estória do encontro patético deste ser humano com as artimanhas da cidade. Com produção da Raiz Filmes o elenco é composto por Marcélia Cartaxo, José Dumont, Tamara Taxman, Fernanda Montenegro, Umberto Magnani, Denoy de Oliveira, Claudia Resende, Lizete Negreiros, Maria do
Carmo Soares e tem trilha musical de Marcus Vinícius.
“Um Céu de Estrelas”, de Tata Amaral, exibido no dia 16 de outubro, às 17h00 é uma adaptação livre do romance homônimo de Fernando Bonassi. Primeiro longa-metragem da cineasta Tata Amaral, realizado em 1996, o filme ganhou o principal prêmio do Festival de Cinema Latino de Boston, em 1997; o Prêmio Especial do Júri do Festival Biarritz, na França e também rendeu para Tata Amaral o prêmio de melhor direção no festival de Brasília. A história tem como cenário único um apartamento da classe baixa paulistana, e um casal de namorados em processo de separação. Dalva, uma cabeleireira do bairro da Mooca, São Paulo decide romper seu relacionamento de 10 anos com Vítor, um metalúrgico, também do bairro. Em seguida, ganha um concurso de cabelo e uma passagem para concorrer às finalíssimas em Miami. Vê nesta viagem a possibilidade de se livrar do universo opressivo em que vive e decide ficar por lá, afastando-se da mãe e do ex-noivo. O filme começa com Dalva arrumando sua mala para viajar, no dia seguinte, quando recebe a visita do ex-namorado, homem com tendências violentas e inconformado com a atitude da namorada. Ele vai gerar uma crescente, que culminará em uma tragédia. Com roteiro de Jean-Claude Bernadet, Roberto Moreira e colaboração de Marcio Ferrari e música de Livio Tratemberg e Wilson Sukorski, o filme traz no elenco Leona Cavalli, Paulo Vespucio Garcia, Lígia Cortez, Nea Simões, Norival Rizzo, Rosa Petrin e Alexandra Marzo.
Dia 17 de outubro, às 16h30 é a vez de um dos mais importantes longas-metragens do cinema paulista dos anos 1980, “Anjos da Noite”, primeiro longa do diretor e roteirista Wilson Barros (1948-1992). O filme, realizado em São Paulo, reflete um olhar sobre a vida na metrópole com o entrecruzamento de várias histórias e várias linguagens. Um retrato do submundo da cidade, onde a busca desesperada de amor resulta numa solidão desmedida. O filme tem como cenário a noite paulista, com seus personagens mais característicos: um jornalista homossexual, uma ex manequim negra, um diretor teatral machista e uma ex sex-symbol, vividos por renomados artistas como Marco Nanini, Zezé Motta, Antônio Fagundes e Marília Pêra respectivamente. O elenco conta ainda com nomes como Cláudio Mamberti, Guilherme Leme e Aída Leirner e tem música de Sérvulo Augusto.
O espetáculo com concepção e direção artística de Abel Rocha é fruto de uma parceria com o Museu da Imagem e do Som e a locadora de filmes 2001.
CINECLUBE PAULISTA – Banda Sinfônica do Estado
Programa
1) Abertura – Achille Picchi
Música original para “Cineclube Paulista”
2) Mãos sangrentas – Alexandre Gnatalli e Abgail Moura
Adaptação: Alexandre Dalóia
3) Suíte Vera Cruz – Achille Picchi
Baseado nos temas originais de “Na senda do crime”, “Sinhá Moça” e “O Cangaceiro”
4) O Grande Momento – Alexandre Gnatalli e Zé Ketti
Arr. Achille Picchi
5) Eles não usam Black Tie – Radamés Gnatalli/Adoniram Barbosa/Gianfrancesco Guarnieri
Arr. Alexandre Dalóia
6) Paulistanas – Alexandre Dalóia
Homenagem à cidade de São Paulo
7) Sonora Garoa – Passoca
Arr. Achille Picchi
Saci-tim-bum – Alexandre Travassos
Baseado nos temas originais de “O Saci” e “Castelo Rá-Tim-Bum”
9) São Paulo Sociedade Anônima – Claudio Petraglia
Arr: Achille Picchi
10) Noite Vazia – Rogério Duprat
Arr. Achille Picchi
11) ANOS 80 – M. Briamonte
Baseado no tema original de “A Dama do Cine Shangai”
12) Cinema da Prisão – Alexandre F. Travassos
Baseado nas trilhas de “Pixote” e “O beijo da Mulher Aranha”
13) Festa – Mauro Giorgetti
Arr. Alexandre F. Travassos
14) Zé Pequeno – Alexandre Dalóia
Baseado nos temas originais de “Cidade de Deus”, “O Invasor” e “Um céu de Estrelas”
15) Finale – Achille Picchi
Readaptação de Alexandre Travassos.
SERVIÇO
Concerto: 13 outubro – 21h00
Local: Teatro Sérgio Cardoso (Rua Rui Barbosa,153 -Tel. 288-0136)
Ingressos: R$ 15,00 (público) e R$ 7,50 (estudantes, idosos e aposentados)
Duração: 70 minutos.
Lotação: 862 lugares. Acesso para deficientes.
Estacionamento Conveniado.
Horário de funcionamento da Bilheteria: Terça a Domingo, das 15 às 21h.
Ação Promocional:
Poupatempo Sé – Ingressos com desconto – R$ 7,50 (até o dia do evento)
Sócios da 2001 Vídeo tem desconto de 50% no ingresso do concerto (para duas pessoas)
Público da BSESP apresentando ingresso do concerto ganha uma locação em qualquer unidade da 2001 entre 13/10 e 15/11.
O cinematógrapho e a ilusão espetacular da São Paulo moderna
Profa. Dra. Maria Inez Machado Borges Pinto
Depto de História/USP
A abrangência e presença constante dos grandes meios de comunicação, dentro dos espaços urbanos e das expectativas de seus habitantes, é questão fundamental, na medida em que se percebe a relevância da participação desses meios na reorientação de sensibilidades e divulgação de valores culturais.
A análise do cinema, num determinado momento, pode nos desvendar as matrizes de uma época, os modos de percepção, sensibilidade, vontades, gostos e os valores morais.
Com as primeiras e trêmulas imagens do cinematógrafo, ao final do século XIX, inaugura-se no Brasil a presença da imagem cinematográfica (1). Após o período de experimentação e fascínio de que se nutrem as novidades, os cinemas passariam a ser um fenômeno urbano integrante da vida das populações.
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No emaranhado de origens que é o Brasil, São Paulo aparece como o ponto de intersecção. Será possível determinar um traço comum entre as produções cinematográficas paulistanas?
Basta um olhar pouco mais atento para notar que certas “marcas” acompanham produções de um mesmo lugar. Nada de estereótipos degradantes. Só não é possível ignorar que a estética de diferentes produções pode ter muito em comum. Fica mais fácil entendermos o motivo, se considerarmos que um povo compartilha toda sua história. Logo, é natural que os cineastas, como parte disso, levem essas referências ao seu trabalho. O existencialismo do cinema francês; o inesperado, com um “quê” surreal, no cinema espanhol; a melancolia do cinema argentino; a densidade do cinema nórdico; a aura romântica e poética dos italianos. Por aqui, o resultado dessa equação é mais complicado. Qual é a cara do nosso cinema? Leve-se em conta a imensidão do Brasil, a mistura de culturas e a gritante distância econômica entre a região mais pobre e a mais rica do País. Torna-se impossível responder. Sabe-se que o eixo da produção nacional é São Paulo-Rio de Janeiro e que alguns lugares como Porto Alegre, Fortaleza e Recife começam a firmar-se como importantes pólos de produção. Mas, se é difícil dar uma cara ao cinema do País, São Paulo com todas suas cores e sabores não fica atrás. Terá o cinema paulistano um traço específico?
Trepidante
A despeito de dados oficiais que comprovem uma estética paulistana no cinema brasileiro, ao que tudo indica, a violência onipresente da maior capital do País não passa batida pelas produções paulistanas. Talvez esse seja o ponto em comum. Tome-se como exemplo três recentes produções que foram sucesso de crítica e bilheteria: Bicho de Sete Cabeças (2000), de Laíz Bodansky, Os Invasores (2002), de Beto Brant, e Carandiru (2003), de Héctor Babenco. Todos esses roteiros abordavam, de forma mais tímida ou mais explícita, a tensão que paira sobre o cotidiano paulistano. Era essa bomba-relógio que estava prestes a explodir, fosse no maior presídio da América Latina (Carandiru), no ambiente doméstico da periferia paulistana (Bicho de Sete Cabeças) ou no choque entre o submundo e o glamour da cidade. “Quando me perguntam se existe uma estética paulista específica no cinema, fico tentada a dizer que sim”, diz a pesquisadora Regina Meyer, que de 1991 a 1995 coordenou o projeto Cinema e Metrópole. “Mas, para confirmar minha resposta, seria necessário fazer uma comparação com o cinema dos outros estados. De uma maneira geral, tendo a achar que a estética paulistana existe e se manifesta através de alguns traços.” O trabalho de Regina resultou no roteiro do média-metragem São Paulo – Cinemacidade, dirigido em parceira com Marta Dora Grostein e Aluysio Raulino. No documentário, a cidade aparece representada por cinco atributos: transformação, anonimato, multidão, precariedade e dimensão, enquanto trechos de filmes já realizados em São Paulo se misturam a novas imagens. “O primeiro dos traços que detecto é a vontade de mostrar a cidade trepidante”, volta Regina. “Muita gente, muito carro, tudo rápido, calçadas movimentadas e, é claro, muito barulho. Por isso o Anhangabaú é tão presente nos filmes paulistas. Além de ser uma marca reconhecível, possui todos esses ingredientes”, analisa. A cineasta Tata Amaral endossa a tese. “Uma das imagens mais bonitas de São Paulo no cinema é a de uma personagem de A Margem, de Ozualdo Candeias. Mostra ela chegando ao centro da cidade, no Vale do Anhangabaú. Trata-se da representação da modernidade, da civilização, de tudo que o progresso poderia trazer naquela época (1967). O Vale do Anhangabaú é um lugar extremamente representativo na memória da cidade.”
Ainda de acordo com Regina, outro elemento muito marcante nos filmes paulistanos é a presença de edifícios recentes e lugares novos da cidade. “Talvez para marcar São Paulo como um lugar de renovação permanente. Há também a procura de imagens da periferia para marcar os espaços de algumas personagens. É a contrapartida paulista aos morros cariocas.” Alguns filmes eleitos pela pesquisadora como dignos representantes da cidade são A Hora da Estrela, de Suzana Amaral, e Céu de Estrelas, de Tata Amaral.
“Em A Hora da Estrela, a personagem (Macabéa) anda pelo Brás e por outros lugares numa espécie de circuito “pobre” da cidade. A rua onde mora é típica dos cortiços paulistanos ainda hoje. As vitrines em que admira os parafusos, momento lindo do filme, são típicas do centrão. Em Céu de Estrelas, Tata Amaral retrata um típico ambiente urbano paulistano, sem sair de casa. Só na última cena é que se vê que a casa está localizada num dos bairros do centro.”
Ninguém arrisca afirmar categoricamente a existência de um denominador comum nos filmes rodados em São Paulo. Apesar de ter detectado traços semelhantes em muitos filmes, Regina não fala da existência de uma estética paulistana dentro do cinema brasileiro, já que, para isso, seria necessária uma detalhada comparação entre os cinemas de todos os estados, ou pelo menos dos que se vêm firmando como pólos. No entanto, alguns filmes são relacionados pela crítica como fiéis retratos de histórias tipicamente paulistanas. Nessas produções, São Paulo está de corpo e alma.
“Paulista até a medula”
A frase acima foi cunhada por João Mors Cabral, em texto publicado no site da Revista Contracampo, publicação especializada em cinema (www.contracampo.he.com.br), para descrever o filme São Paulo S.A. (1965), de Sérgio Person. “Já é criativo até no título”, escreveu Luiz Zanin Oricchio, crítico de O Estado de S. Paulo, referindo-se à sigla S.A, usada para caracterizar uma sociedade anônima. “Person joga tanto com o mal-estar da sociedade industrial quanto com o anonimato da cidade grande. Bastante influenciado pela nouvelle vague, ele filma uma metrópole fria, impessoal, propícia para a alienação das personagens”, diz o crítico, justificando o título. Apesar de quase quarenta anos desde que foi lançada, a produção continua sendo aclamada como ícone do cinema paulista. Nela, Walmor Chagas vive Carlos, um homem atormentado por uma crise existencial que se junta a um empresário (Antonio Zeloni) para montar uma fábrica de autopeças. Apesar do sucesso financeiro e do casamento com uma bela e elegante mulher (Eva Wilma), Carlos não consegue fugir de sua depressão, que chega ao ápice quando ele abandona tudo e passa um dia inteiro vagando sem propósito pelo centro da cidade. Praticamente unanimidade entre a crítica, é difícil encontrar quem não o tenha como resposta na ponta da língua, frente à pergunta “qual o filme mais paulistano de todos?”.
“Talvez, entre todos os filmes que tiveram São Paulo como cenário e até como tema, sejam Noite Vazia e São Paulo S.A., de Luiz Sérgio Person, os dois maiores”, acredita Luiz Carlos Merten, crítico de O Estado de S. Paulo. Como já dito, não se trata mais de uma surpresa que São Paulo S.A. encabece a lista dos filmes que melhor representam São Paulo. Mas, de fato, Noite Vazia (1964), de Walter Hugo Khoury, tem elementos de sobra para dividir a menção com a produção de Person. “Os filmes de Khoury exploram muito a atmosfera paulista”, esclarece Regina Meyer. “Em Noite Vazia, as duas personagens (Odete Lara e Norma Bengel) aparecem num prédio novo na avenida São Luiz. Quando os dois rapazes as abandonam, no raiar do dia, elas são deixadas, em elegantes vestidos pretos, estilo Mônica Vitti, na praça Roosevelt, antes da construção atual. É uma cena linda, a câmera se afasta com o carro onde estão os dois rapazes, um pouco acafajestados, deixando as duas para trás, diminuindo no horizonte. É uma cena triste e a praça serve muito bem. As personagens dos filmes de Khoury são paulistanas enquanto as de Person circulam por uma cidade específica.”
Sexo e problemas existenciais
“Naquela época (anos de 1960 e 1970), o cinema que valia era herdeiro do neo-realismo, e aí vinha aquele Khoury querendo falar de sexo e de problemas existenciais num país onde a estética tinha de ser da fome para colocar a cara do Brasil na tela”, analisa Merten sobre a carreira do cineasta que morreu há menos de um ano. Acontece que o cinema de Khoury não era só a boca do lixo, nem da estética da fome, o que o deixou muitas vezes na berlinda, principalmente com a crítica. Mas, no fundo, mostrava o drama da típica elite paulistana, que nada mais é do que uma reação ao drama do país da estética da fome. Ela vive com um pé nos bairros chiques do Primeiro Mundo, mas pára o carro nos faróis dos países de Terceiro Mundo. São Paulo talvez seja a melhor representação da chamada Belíndia – expressão criada para traduzir esse dramático encontro entre o nível de vida desfrutado num país rico, como a Bélgica, e os bolsões de miséria, como os da Índia. Essa bomba explode nas periferias, mas a faísca também vira fogo nas classes ricas. Khoury filmava esse incêndio. “É com Noite Vazia que ele acha seu tom, o seu estilo. É uma maneira de filmar o sexo, impregnado de erotismo, e relatos que vão além do social, no rumo de uma investigação sobre o comportamento humano nas camadas mais favorecidas da sociedade brasileira. As pessoas no cinema de Khoury moram bem, comem bem, vestem-se bem, mas vivem mal, devoradas pelos sentimentos de solidão, incomunicabilidade e alienação”, conclui Merten.
Boca do lixo
No final dos anos de 1960, um grupo de cineastas paulistanos iniciou um movimento chamado Cinema Marginal. Era o cinema produzido por quem freqüentava a boca do lixo paulistana, situada no centro da cidade, onde prostitutas, mendigos e malandros viviam a face mais underground da noite paulistana. Em bares daquela região, esses diretores se encontravam para subverter o cinema nacional. Surgiram no rastro do Cinema Novo, que criticavam, mas do qual se utilizaram. A prerrogativa mínima para a realização da sétima arte pregada pela turma de Terra em Transe, com apenas uma câmera na mão e uma idéia na cabeça, também define o Cinema Marginal. Sonhavam com um cinema quase artesanal, feito com o mínimo de recursos. “Se não podemos fazer o melhor, façamos o pior”, dizia Carlos Reichenbach, um dos cabeças do grupo. Mas, para eles, a aura intelectual do movimento, liderado por Glauber Rocha, não colava. A ordem era escancarar o submundo, mostrar a realidade brasileira sem um pingo de maquiagem. Apesar das farpas, o reconhecimento era recíproco. Se a técnica de Glauber serviu de pontapé para o Cinema Marginal, as críticas do pessoal da boca do lixo também tinham eco do lado de lá. “(…) A agressividade de Rogério Sganzerla contra o Cinema Novo, apesar das injustiças e das ingenuidades, era a única coisa que, aos meus olhos, fazia as perguntas que o Cinema Novo deveria ouvir”, diz Caetano Veloso a Glauber Rocha em carta escrita durante o exílio em Londres. “Glauber Rocha tinha uma grande preocupação com o cinema, mas não com a política. Quando eu fazia fitas, todos as criticavam porque eu punha negros, pés descalços e a Igreja envolvida. Eu não tive receio. Meu nome foi esculachado diariamente”, dispara Ozualdo Candeias, um dos mais emblemáticos cineastas da marginalidade, que em 1967 fez A Margem, filme em que mostra a vida das populações marginalizadas nos arredores da represa Billings, em São Paulo. Junto a O Bandido da Luz Vermelha, A Margem é um dos mais emblemáticos títulos desse movimento. Outros nomes como Carlos Reichenbach, João Silvério Trevisan, Andréa Tonacci e o crítico Jairo Ferreira também figuraram na constelação da boca do lixo paulistana e trouxeram às telas o mais genuíno submundo da metrópole.
À luz de Rogério Sganzerla - Ao tentar delinear as fronteiras do cinema paulistano, impossível não lembrar do cineasta de O Bandido da Luz Vermelha
Nos anos de 1960, as mulheres da cidade de São Paulo estavam aterrorizadas por um homem que invadia suas casas na calada da noite e, com uma luz vermelha, iluminava o ambiente para passar horas conversando com suas vítimas antes de matá-las. Rogério Sganzerla, que batia de frente com o Cinema Novo, pegou a história e a levou para as telas de cinema, consagrando-a como um dos filmes mais marcantes produzidos no Brasil durante aquela década. Sganzerla, morto no início de janeiro, é considerado um dos mais fiéis representantes do cinema marginal paulistano. “Deve-se reconhecer que poucas vezes São Paulo, como protótipo da cidade nervosa, foi retratada de forma tão fiel”, analisa o crítico Luiz Zanin. “O trânsito nas ruas, o movimento das pessoas, o desequilíbrio visual da arquitetura, tudo isso é tratado como um jorro visual criativo, entrecortado, cheio de paródia, ironia e raiva.” Há quem ache até que o filme foi precursor de um estilo de mostrar a violência que quase trinta anos depois se consagraria nas mãos do diretor americano Quentin Tarantino, mas não sem, antes disso, ter precedido o genial Stanley Kubrick na maneira ácida de criticar a sociedade. “O Bandido da Luz Vermelha, que acompanhava o bafafá criado pelas ações de um ladrão, assassino e estuprador, representava uma metáfora da ação do poder repressor”, analisa Rodrigo Fonseca, da Revista de Cinema, em seu texto O Cineasta da Transgressão. “Era uma violência estilizada, tataravó do estilo Pulp Fiction. Anos antes de Stanley Kubrick abordar realidade similar com seu Laranja Mecânica, Sganzerla chocava com sua experiência visual rica em referências à cultura nacional, incluindo MPB, literatura e o próprio cinema.”
“cinema is dead. long live cinema!”
peter greenaway
essa frase-título é do cineasta (primeiramente artista plastico) britânico Peter Greenaway que está no Brasil em razão do videobrasil, onde apresentou live sua performance de vjing Tulse Luper, no domingo 30 de setembro, na fachada do sesc paulista. Greenaway afirma que o cinema em sua especificidade (aquele que nasceu com Eisenstein, consolidou-se com Fellini e rompeu barreiras com Godard) está morto e urge uma necessidade de reinventá-lo para se adequar às caracteristicas contemporaneas. para ser mais exata, ele diz que o cinema morreu em “31 de setembro de 1983, quando o zapping, ou o controle remoto, foi introduzido às sala do mundo” (GREENAWAY, Peter. Cinema Militans Lecture: Toward a re-invention of cinema. Setembro de 2003).
Greenaway agora faz vj ao mesmo tempo que faz cinema. ele utiliza de seu super touch screen monitor para realizar o filme e construir a narrativa em tempo real. ao lado, o dj.
conheça melhor o projeto tulse luper clicando aqui e um pouco mais sobre o artista aqui
tulse luper performance
Tá, e o que que isso tem a ver com blog sobre “São Paulo: Novo de novo”? É o seguinte, seguindo a idéia do Godard e Kluge de que nao há mais imagens a serem feitas e a teoria do Greenaway de que o cinema tradicional está morto, vou usar as imagens feitas para filmes brasileiros antigos e construir uma narrativa nova, que, em sua linguagem se aproximará do vjing, ou será feito em software de vjing, ainda não sei.
é isso.
